Nicole Salgar est une artiste visuelle multimédia de Miami, en Floride. Influencée par ses racines latines et sa passion pour l’horreur, la science-fiction et l’art folklorique, Nicole a voyagé à Cuba, en Europe, en Amérique du Sud et le long de la côte est des États-Unis, collaborant à des projets de murale avec des communautés locales. Souvent, en utilisant le muralisme comme pratique méditative et de guérison, elle invite les téléspectateurs à remettre en question leurs points de vue et leurs hypothèses qui peuvent découler de ses motifs ambigus. Nicole trouve que l’expérimentation est la clé de la création et, sans elle, rien de vraiment efficace n’a la chance de se révéler.

Sam Kirk, une artiste américaine primée, se plonge dans la culture et la politique d’identité grâce à son œuvre multidisciplinaire. En mettant l’accent sur la célébration de la diversité et l’effet du changement, le portefeuille de Sam compte plus de 60 murales permanentes et installations temporaires dans le monde entier. Sa pratique artistique élève intentionnellement les communautés historiquement marginalisées. Inspirée par les expériences humaines, ses pièces axées sur le récit dévoilent les complexités de la vie et leur impact sur l’identité. La palette vibrante de Sam, son travail de ligne complexe et ses arrière-plans superposés illustrent de façon vive les communautés mondiales, en s’inspirant des souvenirs d’enfance, des voyages personnels et souvent des histoires négligées.

TRATOS est une collaboration entre Katerina Santos et Juan Travieso, un couple cubain basé à Lakeland, en Floride. En espagnol, « Tratos » signifie une entente, un lien ou une promesse, et constitue le point culminant des noms de famille des artistes. Ce couple travaille ensemble pour recréer dans ses peintures et ses peintures murales, la réalité qu’il souhaite voir.

El Nido (The Nest) est un portrait du fils de l’artiste assis dans la verdure. Dans la pièce, il est entouré d’oiseaux, de papillons et de végétaux. Cette murale est importante pour TRATOS, car c’est la première fois qu’ils présentent leur fils dans leur travail.

Pour eux, la magie est de « voir notre fils sourire. Le voir grandir et vivre la vie chaque jour... »

Nardstar est une artiste de rue sud-africaine basée au Cap. Son style géométrique unique l’a propulsée au sommet de l’univers artistique urbain en pleine croissance de l’Afrique.

Visitez Disney Springs Art Walk: A Canvas of Expression pour voir la murale de Nardstar, The Voices in My Head. Les oiseaux présentés dans cette pièce représentent nos pensées et notre parole. Chantons-nous de douces chansons ou gazouillons-nous des critiques? Les cheveux sont faits de buisson feuillu et représentent un jeu de mots avec le terme captonien « Bos Kop », qui se traduit par « tête touffue ».

Pour Nardstar, la magie est « dans les choses simples! Un rire partagé avec un être cher : trouver le stationnement parfait ou simplement une promenade dans la nature. »

Mila Sketch est une artiste multimédia contemporaine américaine vivant à Austin, au Texas. Grâce à ses murales complexes à grande échelle et ses peintures artistiques expressives, Mila illustre sa fascination pour la relation entre la nature et le développement urbain et technologique. Ses œuvres d’art se trouvent partout dans le monde, du Texas et de New York aux États-Unis, à Angers, en France et à Murmansk, en Russie.

This must be the place! a été inspiré par l’idée précoce de Walt Disney pour la communauté de prototypes expérimentaux de demain (Expérimental Prototype Community of Tomorrow, EPCOT). Dans cette murale, Mila rassemble ses bâtiments préférés de presque toutes les villes où se trouve un parc Disney, les unissant sur une toile diversifiée et inclusive. Regardez de près et vous découvrirez les sites architecturaux de Tokyo, Paris, Hong Kong, Shanghai et Los Angeles.

La murale incorpore également les couleurs du drapeau de fierté gaie Gilbert Baker original pour célébrer son 45e anniversaire le 25 juin 2023.

Selon Mila, « La magie est quelque chose de vos rêves, mais mieux, comme la naissance d’une nouvelle vie ou la rencontre de l’amour de votre vie. La magie est un mouvement d’une source d’énergie plus proéminente et beaucoup plus forte que vous. »

Né à Cam Ranh Bay, au Vietnam, et élevé à Fresno, en Californie, Thao French est une muraliste, photographe de rue et artiste de studio. Elle est surtout connue pour avoir cofondé Mindful Murals™ avec son mari. Ensemble, ils ont peint plus de 400 murales communautaires pour les écoles et les espaces publics du monde entier, du Mexique au Vietnam.

Le thème de son œuvre Space in Time est l’intersection de contrastes doux et nets, clairs et sombres, de croissance et de douleur. « Quand je repense à ma vie, dit-elle, toutes les choses incroyables pour lesquelles je suis reconnaissante aujourd’hui sont nées de moments d’obscurité », et cette réalisation forme l’inspiration de cette pièce. Les fleurs jaillissent des lignes coupées en noir, des zones brisées et désolées qui, selon Thao, « représentent chaque chagrin, perte, rage et déception. Les pétales poussent des zones sombres, formant plénitude et abondance visuelle. C’est l’annonce que la joie arrive! »

Né lors du vol de ses parents du Cambodge, Andrew Hem a grandi sur la frontière entre deux cultures : la société animiste rurale de ses ancêtres khmers et les arts urbains dynamiques de son quartier difficile de Los Angeles. Fasciné par les graffitis dès son plus jeune âge, il a perfectionné ses compétences sur les murs de la ville avant d’obtenir un diplôme en illustration du Art Center College of Design.

Travaillant avec la gouache, l’huile et l’acrylique, Andrew tisse des récits atmosphériques et richement texturés dans une palette vive de bleus crépuscules, de rouges profonds et d’éclaboussures de lumière dorée. Ses impressions envoûtantes de culture et de paysage évoquent les espaces liminaux, comme la manifestation de souvenirs et de rêves. En ce qui concerne ce projet, Andrew s’est inspiré du cadre joyeux qui l’entoure : « Je voulais simplement peindre mon endroit le plus heureux. »

Ernesto Maranje est un artiste cubain américain de Miami, en Floride. Travaillant à la fois sur des toiles et des peintures murales à grande échelle, ses sujets illustrent la beauté du monde naturel : la flore et la faune, l’évolution biologique et les relations entre les plantes et les animaux. Ernesto s’est associé à de nombreux projets d’art public, à des organismes sans but lucratif et à des ONG, ainsi qu’à des œuvres artisanales dans des pays du monde entier, y compris l’Ukraine, l’Irak, la Jordanie, le Liban, la Grèce et l’Espagne.

Sa peinture murale The Path to Everywhere a été inspirée par les types de moments qui alimentent les souvenirs d’enfance, les films préférés et les jeunes imaginations, les moments où les gens sont encouragés à mettre en pause leur incrédulité, pour s’immerger pleinement dans une expérience. Il espère que son œuvre fera en sorte que les observateurs « sentiront un peu de la magie que Disney a inspirée depuis des générations ».

Ernest Shaw promeut un message de compassion et de compréhension, un coup de pinceau à la fois. Originaire de l’ouest de Baltimore, Shaw infuse son art de l’âme de sa communauté, avec des portraits qui reflètent ce qu’il appelle « les multiples aspects de l’expérience des Noirs/Africanistes ». Le travail de Shaw est une occasion d’empathie et d’introspection, invitant les publics à interagir avec chaque peinture et à faire l’expérience d’un lien avec d’autres êtres humains.

Cette œuvre, Crossing Gods, fait partie d’une série qui, selon Shaw, « met en valeur l’humanité des jeunes des quartiers défavorisés qui sont stéréotypés, mal compris et diabolisés. » Les sujets principaux, deux « squeegees », représentent à la fois l’intersection littérale et spirituelle de l’engagement humain. Shaw explique son utilisation des couleurs bleu et rose pour créer un endroit et un espace inclusifs pour tous les membres de la communauté, peu importe leur orientation sexuelle, leur éducation ou leur sexe ».

Nneka Jones est une artiste multidisciplinaire née à Trinité-et-Tobago qui vit et travaille actuellement à Tampa, en Floride. Grandir dans les Caraïbes a été l’un des principaux facteurs qui ont fait de Jones l’artiste qu’elle est aujourd’hui. Son amour étonnant pour la couleur et son attention particulière aux détails, influencés par sa culture, ont toujours été importants tout au long de son parcours artistique.

Create Your Spotlight présente un portrait d’une jeune femme souriante avec un halo ou un éclat proéminent, mettant l’accent sur des thèmes de magie, d’autonomisation et de bonheur. En fin de compte, elle encourage les femmes et les jeunes filles à être des auteures d’histoire intrépides et à défier les probabilités.

Être une artiste était le rêve ultime de Nneka, mais être une artiste peintre à Disney est un rêve magique transformé en réalité grâce à la passion, au dévouement et à l’engagement intrépide.

Eduardo Kobra est né en périphérie de São Paulo, au Brésil.

Kobra a montré son travail dans le monde entier et sur 5 continents. Il a réalisé plus de 3 000 murales.

Son art se concentre sur les messages fraternels et utilise des images hyperréalistes avec des couleurs fortes et contrastantes.

Le garçon de Magical Connections (Conexões Mágicas) représente à la fois le fils de Kobra et son enfant intérieur. Kobra a également été inspiré par l’atmosphère « les rêves deviennent réalité » du Walt Disney World Resort. Bien que la murale ait été faite pour tout le monde, il est particulièrement fier de savoir que les Brésiliens trouveront un petit morceau de leur pays à Disney Springs.

Nanibah « Nani » Chacon est une artiste Dine (Navajo) et Chicana basé à Albuquerque, au Nouveau-Mexique. Chacon a obtenu son baccalauréat en éducation de l’Université du Nouveau-Mexique en 2003 et a travaillé comme peintre, muraliste, éducatrice et activiste.

Son travail a été reconnu pour son style unique et son attention au contenu propre au site, ainsi que pour l’intégration des questions sociopolitiques qui touchent les femmes et les peuples autochtones. Nani croit que l’art devrait être accessible et un catalyseur significatif du changement social.

Nani explique : « Cette œuvre est centrée sur la plante zamia, également connue sous le nom de marante, une plante indigène de la Floride. L’origine de cette plante dans la région de la Floride est documentée depuis des temps préhistoriques. La plante peut être transformée en farine et a été essentielle à la culture et à la survie des Séminoles ou d’autres peuples autochtones de la région. Cette plante est protégée contre la surexploitation pour une utilisation décorative, et les brins locaux autochtones de la plante sont presque épuisés. Mon travail nous rappelle que lorsque nous perdons une espèce, nous perdons de la culture, de l’histoire, de la survie de la langue et des connaissances. »

Don Rimx est un artiste raffiné formé de façon classique et originaire de l’île de Porto Rico.

Don s’inspire des différentes cultures du monde et du développement du paysage urbain. Son objectif est de continuer à développer et à construire des images qui portent une histoire. La technique de Don est un mélange de peinture acrylique et de peinture en aérosol.

Pour cette murale, il voulait concevoir une pièce qui représentait son héritage portoricain. Dans FLOR DE ORO, il a utilisé des images, des personnages et des symboles qui identifient cette riche culture.

Don explique : « Flor de Oro s’inspire de la force et de la beauté des cultures latino-américaines et caribéennes. C’est une ode à nos ancêtres et une métaphore qui fait référence à un type d’alchimie et de transformation interne. La lumière symbolise notre conscience, notre créativité et notre passion pour toutes les choses qui nous unissent dans la vie. Pour cette murale, je voulais concevoir une pièce qui représentait ma culture portoricaine. J’ai réussi grâce à l’utilisation d’images, de personnages et de symboles avec lesquels je crois clairement identifier notre riche culture. L’utilisation d’une palette de couleurs éclatantes qui complète l’image est l’un des éléments qui est constamment exprimé dans mon travail et sert de référence au paysage léger et tropical de mon île. »

Leo Gomez est un artiste de lettrage et un muraliste basé à St. Petersburg, en Floride. Il crée des peintures murales en utilisant des lettres dessinées à la main, des couleurs vives et des messages amusants pour apporter un sentiment de bonheur. Au cours des sept dernières années, il a eu le plaisir de collaborer avec des clients extraordinaires qui transforment des murs vierges en espaces inspirants et colorés.

Leo explique : « Mon œuvre s’appelle “ You Warm My Heart ” et présente de grands lettrages sur un fond coloré délavé. Les couleurs ont été inspirées par les parcs thématiques de Disney. Ils sont un bon mélange d’émerveillement et de magie! Et le message réconfortant est représentatif de la famille et des amis qui passent du temps ensemble dans les parcs Disney. C’est une façon de montrer de l’amour à ceux que nous aimons! »

Leah Abucayan est originaire de Sacramento et réside maintenant à Atlanta, en Géorgie, avec son mari et son chien, Pepe. Elle a étudié la conception graphique à l’Académie d’art de San Francisco. Elle travaille actuellement à titre d’illustratrice et de graphiste pour le service d’art numérique de CNN. Auparavant, elle a fait un stage au Walt Disney Imagineering en concevant des documents imprimés et des affiches environnementales pour le Walt Disney World Resort et Disney Cruise Line.

Le ruban adhésif est l’un de ses médiums préférés et elle l’utilise pour créer des portraits personnalisés. Sa mission est d’avoir un impact positif sur le monde en inspirant les autres avec son art et sa passion pour le design.

Leah explique : « J’appelle cette pièce Umunlad qui, lorsqu’elle est traduite, signifie « s’épanouir » ou « prospérer » en tagalog. Cette pièce parle à tous les petits enfants qui ont de grands rêves et qui s’efforcent de devenir un artiste lorsqu’ils grandissent. C’est une histoire de progrès, d’acceptation du parcours, de recherche d’inspiration dans vos expériences et votre culture, et de partage de votre croissance et de votre sagesse avec le monde. »

Chad Mize est un artiste, designer et muraliste multimédia résidant à St. Petersburg, en Floride. Il s’est intéressé à l’art et a ensuite obtenu son BFA en communications visuelles à l’Université du Mississippi.

En 2010, Mize a ouvert BLUELUCY, une galerie à St. Petersburg, où il représentait plus de 450 artistes locaux et nationaux. Lorsque la galerie a fermé ses portes en 2015, Mize a fondé Chizzy, sa propre marque de style de vie et de design. Ses contributions à la scène artistique prospère de St. Petersburg comprennent également le travail sur le Festival de la murale SHINE, qui amène des artistes du monde entier à peindre des murales à St. Petersburg. En 2018, Mize a ouvert la galerie MIZE dans le quartier historique de St. Petersburg.

Il explique : « J’appelle cet article « Say It Without Saying It ». Dans le climat actuel de 2022 avec ce qui se passe en Floride, je voulais créer une pièce qui est fidèle à moi-même. Ma forme la plus naturelle de moi-même. Ces personnages et ces icônes, c’est moi! Des images que je dessine tout le temps. Je veux défendre ma communauté et le dire sans le dire!

Stacey Aoyama est illustratrice et conceptrice pour Disney Consumer Products. Elle est diplômée de l’Université de Californie à San Diego avec un diplôme en arts visuels et a étudié au Art Center College of Design en illustration. Ayant grandi dans la région de la baie, ses ambitions professionnelles comprenaient être astronaute, ballerine, orthodontiste et plus encore. Cependant, sa passion constante pour le dessin et la créativité a prévalu, et elle se sent très chanceuse et honorée de travailler pour Disney.

Stacey dit : « Family Journey est inspiré par nos familles et rend hommage aux voyages respectifs qu’elles ont entrepris pour bâtir nos vies en Amérique. Eric et moi sommes de race mixte et avons choisi de représenter nos pays d’origine : les Philippines, le Japon et la France. Le dernier panneau représente l’Amérique et la façon dont nos familles continuent d’évoluer et de grandir avec chaque nouvelle génération. »

Eric a grandi à San Diego, en Californie, dans un régime régulier d’animation Disney, de personnages d’action Star Wars et de bandes dessinées de Marvel. Sa passion pour l’art a été suscitée après avoir vu The Jungle Book à l’âge de 3 ans. Eric est diplômé du Art Center College of Design et est designer chez Disney Consumer Products depuis plus de 20 ans.

Eric explique : « Pour moi, la magie, c’est quand quelque chose de spécial se produit qui vous fait sourire et qui vous fait ressentir de l’enthousiasme. »

Laci Jordan is a multidisciplinary designer, illustrator, Creative Director––and the true definition of a modern-day Renaissance woman. Laci’s work concentrates on color, pop culture, the representation of marginalized people and the intersectionality that exists amongst all of these spheres. Her works act as a portal into the world as she sees it. From her use of vibrant colors to her exploration of a world filled with captivating people of color, her work reflects her deep commitment to creating authentic and unapologetic portrayals of contemporary culture.

Laci was born and raised in Huntsville, Alabama, and currently resides in Los Angeles.

She says magic is, “A feeling. The impossible becoming possible. Your wildest dreams coming true. Serendipity. Love. Faith.”

For Dom Corona, it all started with a pencil. And a mouse. Visiting Walt Disney World Resort for the first time at age 5, he took his autograph book and drew his first Mickey.

His love for everything Disney grew. On a trip in 2008, an artist drew Donald Duck for him, adding the words, “To Dominick, future Disney artist”—and a dream was born. After his Disney College Program in 2016, he returned to New York and set out to build a portfolio of large-scale pieces. In 2021, he was asked to be part of the Disney Creators Lab. Now, this self-taught artist is impassioned to embark on a new journey with Disney Fine Art.

Dom’s work encapsulates the magic of Disney with textured brushstrokes, a keen eye for color and an explosive and unique style. 

Dom says, "This piece titled Proud Original is about embracing one's true being and appreciating self-worth. Over the years, we've seen the world's most beloved character (Mickey Mouse, of course) change and evolve in so many ways––yet he only becomes more loved and more valuable. Applying this theory to our own lives, it's so important to be most proud of whoever you currently are as nobody can discount value you've given yourself. I chose classic Mickey Mouse as my vessel for this message to root Pride into his earliest iterations. As for his Sorcerer hat—everyone can use a little magic!”